Em “O Lutador” (2008), a vida de Randy ‘The Ram’ é narrada da forma mais realista possível, por conta disso a crueldade da fita está exatamente em como o velho brutamontes encara o fim da fantasia de ser um astro do esporte. Já em Cisne Negro (Black Swan,2009) o processo e inverso. O grande drama na vida de Nina (Natalie Portman) se passa dentro de sua própria mente, pois seu grande desafio é ultrapassar as barreiras impostas pela sua própria imaginação.

Randy é um decadente lutador com a mente de jovem iniciante, preso em um corpo deformado pelas marcas do tempo. Já Nina está no auge de sua forma física, sua única barreira está em seu campo psíquico extremamente conturbado, justificado pela superproteção de sua mãe (Bárbara Hershey), aliada a relação de amor e ódio com seu coreógrafo (vivido pelo francês Vincent Cassel) e com sua amiga Lily (Mila Kunis).

O resultado é uma viagem a intensa guerra travada dentro da mente da personagem, algo que se aproxima bastante da recente obra prima de Lars Von Trier (“Anticristo”), porém com maior arrojo visual. É impossível ficar indiferente aos criativos recursos fotográficos usados na representação do mundo de Nina. Não é exagero dizer que a melhor bailarina do filme é a câmera de Aronofsky, que dança com extrema sintonia com a movimentação dos atores, e por vezes assume a identidade da personagem nos transportando para dentro dos olhos de Nina em meio a movimentos característicos da dança.

O processo de amadurecimento do autor foi gradativo. Seu primeiro longa, Pi (1998), já sinalizava características peculiares do diretor – como na forma como utiliza o som com o intuito de traduzir sensações impossível de serem representadas através de imagens. Mais de dez anos se passaram desde o lançamento da produção e não houve desvios em sua trajetória. Seus longas seguintes mantiveram o mesmo tom autoral, mesmo com o fracasso comercial do subestimado “Fonte da Vida” (2006).

Independente do resultado do Oscar, Cisne Negro é o melhor filme do ano – nada mal se levar em conta que foi lançado no mesmo ano de “A Rede Social”, o Easy Rider da geração Y. Provavelmente não se trata de um filme que a academia se simpatize, talvez por andar na contramão da breguices que o Oscar costuma valorizar, contudo a atuação de Natalie Portman e a fotografia de Matthew Libatique são os grandes favoritos em suas categorias.

Cisne Negro é uma espécie de Persona contemporâneo, que navega pelo campo da psiquiatria sem fazer cara de bula de remédio, e que presenteia diferentes perfis de público com um cinema visualmente deslumbrante e reflexivo. Uma verdadeira aula de cinema.

02/02/2011

Dirigido por Vicenzo Natali, realizador do instigante “Cubo” (1997), Splice – A Nova Espécie (Splice, 2009) não é um filme facilmente digerido por todos os tipos de plateia como o pôster pode sugerir, já que esta ficção cientifica necessita que o espectador esteja disposto a se envolver intelectualmente com a história, para, assim, alcançar todas as mensagens que o diretor se propôs a realizar. Isso, contudo, não quer dizer que a película não contenha bons momentos de entretenimento, muito pelo contrário. Seu humor negro e clima de suspense garantem boas doses de satisfação para quem também comprou ingressos à procura de divertimento, desde que esteja aberto a se envolver com a trama, deixando seus preconceitos de lado.

À primeira vista, o roteiro remete ao fraco “A Experiência” (1995). Tudo começa quando os cientistas genéticos Clive (Adrien Brody) e Elsa (Sarah Polley) ganham notoriedade ao juntar o DNA de diferentes animais e criam uma nova espécie híbrida. Seguindo seus experimentos, o casal tentará combinar o DNA humano com o da nova espécie, com o intuito de encontrar a cura para doenças graves como o câncer, contrariando a ética do mundo científico. O resultado é uma criatura que mais parece um feto, batizada de “Dren”. Logo o humanóide começa a evoluir se transformando em uma atraente adolescente interpretada de forma impecável pela canadense Delphine Chanéac .

Neste ponto, inicia-se uma gratificante viagem ao fundo de nossas mentes, remetendo à grande fase do gênero (anos 80), em que diretores como John Carpenter e David Cronenberg traduziam nossos sonhos mais bizarros em fotogramas. Em Splice – A Nova Espécie existe uma relação muito forte com o universo dos dois, principalmente com o diretor de “A Mosca” (1986) e “eXisteZ” (1999). Vale para quem não conhece sua filmografia assistir a eles  previamente ante de ir ao cinema.

Interpretado por um elenco afinado, Splice – A Nova Espécie é muito mais que um filme sobre seres gosmentos e sustos. Não cabe aqui tentar explicar as reais intenções de Natali com a película e suas diversas camadas de análise, até porque o embrião do roteiro é desafiar nossos cérebros. Quem estiver aberto a essa proposta não se arrependerá. Já que esse será o fator que moverá a curiosidade da plateia até os créditos finais.

No dia em que Jean-Luc Godard completa 80 anos, 3 de dezembro, o Instituto Moreira Salles dá início à mostra Jean-Luc Godard – Oito filmes, oitenta anos em homenagem ao cineasta francês que, em 1959, com seu primeiro longa-metragem, Acossado, marcou o aparecimento da Nouvelle Vague.

De 3 a 19 de dezembro, a mostra exibirá oito longas – entre eles Filme Socialisme, que estreia nesta data no Brasil – e dois curtas do diretor, além de duas conversas filmadas, uma com Alexander Kluge e outra com Fritz Lang.

Filme Socialisme (2010), o novo filme de Jean-Luc Godard, exibido no último Festival de Cannes, é um um cruzeiro turístico pelo Egito e pela Palestina, por Nápoles, Barcelona, Atenas, e a Odessa da escadaria do Encouraçado Potemkin para compor um ensaio poético pela Europa contemporânea. O filme é dividido em três blocos, Sobre uma coisa qualquer, Quo vadis Europa,  e Nossas humanidades, e parte de um sentimento que se resume na frase de apresentação: “as ideias nos separam, os sonhos nos unem”.

Outro destaque da mostra é Alphaville (1965), filme vencedor do urso de ouro no Festival de Berlim de 1965. Segundo Godard declarou à revista Cahiers Du Cinéma, em Alphaville, os sons tem o valor de imagens, e a música se torna um dos elementos fundamentais da narrativa. Para ele, seus filmes anteriores “poderiam passar sem música. Existe música neles, mas sem ela não seriam diferentes”.

Da década de 1960, a mostra traz outros três longas do diretor: O demônio das onze horas (1965),O desprezo (1963) e O pequeno soldado (1963). Os dois curtas selecionados e seu primeiro longa-metragem são do mesmo período: Acossado (1959), Todos se chamam Patrick (1957) e Charlotte e seu Jules (1959).

O Instituto Moreira Salles traz também títulos de outros períodos da carreira do Godard: o vencedor do Leão de Ouro do Festival de Veneza de 1983, Carmem de Godard e Elogio ao amor que participou da mostra competitiva do Festival de Cannes em 2001. O primeiro, uma adaptação do mito de Carmen, é marcado pelos quartetos de Beethoven, e o segundo divide-se em duas partes distintas – a primeira foi filmada em 35mm, preto e branco, e representa o presente. Na segunda parte, por meio de câmera digital, as cores dão vida ao passado dos personagens.

Para completar a seleção do Instituto Moreira Salles, há duas conversas filmadas: emO dinossauro e o bebê, um diálogo em oito partes entre Fritz Lang e Jean-Luc Godard, André Labarthe conduz um diálogo entre Godard e Fritz Lang. Em Amor cego, uma conversa com Jean-Luc Godard, o cineasta é entrevistado pelo diretor alemão Alexander Kluge (realizador de Notícias de antiguidades ideológicas).

Por Bruno Marques

25/11/2010

Fique atento as metáforas. Este é o principal conselho que deve ser dado aos espectadores de Os Outros Caras (The Other Guys,2010) dirigido por Adam Mckay, estrelado por Mark Wahlberg e Will Ferrell. Este aviso deve ser levado em conta logo nos minutos iniciais, quando uma incrível cena de ação, protagonizada pela duplaSamuel L. Jackson e Dwayne Johnson (em competentes participações especiais), deixa a impressão de que tiros, explosões e batidas de carro serão as tônicas da película.

A trama acompanha dois detetives fracassados, Allen Gamble (Ferrell) e Terry Hoitz (Wahlberg). Ambos vivem à margem do sucesso de Danson (Johnson) e Highsmith (Jackson), até que um inesperado acidente faz com que os dois partam dessa para melhor, abrindo espaço para que os dois perdedores assumam um importante caso envolvendo o empresário do mercado imobiliário: Ershon David (Steve Coogan). Porém a falta de talento dos dois tiras acabará colocando em risco as investigações.

O roteiro não é tão diferente de outras sátiras de filmes policiais. Contudo, o forte da trama é a capacidade de empilhar uma grande quantidade de piadas sem deixar perder o fôlego. Este resultado só foi possível devido a excelente química entre os dois protagonistas, principalmente Ferrell, que dessa vez (pasmem) deixou de lado suas caretas e passou a investir em um humor mais inteligente, como no momento em que discute com seu parceiro uma brilhante metáfora sobre o confronto entre um leão faminto no meio do oceano contra um grupo de atuns indefesos. Esta parábola de certa forma sintetiza toda o argumento da produção que tenta provar que milhões de pessoas aparentemente sem talento são mais poderosas que um único talentoso. Já MarkWahlberg, que em “Os Infiltrados” e “Boogie Nights – Prazer sem limites” já havia provado ser um ator acima da média, dessa vez mostrou que também se sai muito bem como ator-escada para as piadas de Ferrell.

Entre erros e acertos o resultado de Os Outros Caras é positivo já que o longa consegue fazer rir e em determinados momentos oferece boas cenas de ação, tudo isso envolto em uma embalagem que remete situações absurdas comumente vistas em história em quadrinhos.

A incrível capacidade de concisão na introdução da história  é mérito de David Fincher, diretor do longa, que desta vez apresenta um trabalho  mais inimista se comparado aos visualmente  frenéticos: Clube da Luta e Seven. Pode se dizer que este é o seu filme mais “estático”, já que poucas são as vezes que seu estilo, fortemente influenciado pelos videoclipes que dirigiu, está presente.
Basicamente toda a história se passa em uma sala de reuniões onde batalhas judiciais pela patente do facebook são travadas. Tudo isso poderia ser muito monótono se o roteirista Aaron Sorkin (Questão de Honra) optasse pelos discursos técnicos presentes no julgamento. A opção por uma análise calcada tanto na personalidade do protagonista, quanto na procura dos motivos que levaram o programador a revolucionar a forma como os seres humanos se relacionam contribuiu para que, mesmo para aqueles que nunca acessaram o website, acompanhasse os desenlaces da trama sem grandes dificuldades.

Tudo começa em 2003 quando Zuckerberg, deprimido pelo termino do seu relacionamento, resolve difamar a moça em seu blog e derrubar a rede da universidade de Harvard. Os eventos acabam dando certa notoriedade ao jovem dentro da grande rede. Poucos dias após os fatos, Zuckerberg  é procurado pelos gêmeos Winkelvoss (Armie Hammer, em atuação exemplar), dois jovens playboys que pretendem lançar uma nova rede social formada por alunos do campus da universidade.

A ideia do site motiva Zuckerberg a elaborar, ao lado de seu melhor amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield),  uma nova forma de executar o projeto dos irmãos de forma independente. O resultado é o The Facebook, um sucesso estrondoso que logo rompe as fronteiras do campus.

A biografia por si só não justificaria uma adaptação para o cinema, ainda mais sendo lançado em circuito comercial. Outro fator que poderia ser um empecilho é o fato de que todos os protagonistas reais ainda estão no meio do processo – o facebook ainda é um sucesso recente – , o que faz com que sintamos a sensação de termos acompanhado uma história ainda sem final definitivo.

Para contrabalancear o excesso de diálogos, a trilha sonora de Trent Reznor (Nine Inch Nails) exerce a função de musicar o ritmo frenético da fala de Zuckerberg, transformando seus diálogos em verdadeiras literaturas de cordel em formato eletrônico.

Sem dúvida, contudo, o maior mérito ficou por conta da escolha dos jovens atores. Especialmente Jesse Eisenberg e o cantor pop Justin Timberlake, que interpreta o carismático vilão Sean Parker, co-fundador do Facebook e criador do Napster, e mostrou que seu talento para a grande tela é igual, ou até mesmo maior, que seu talento nos palcos.

Não dá para saber ao certo se  ‘A Rede Social’ será interpretado pelo grande público como fonte de estudo sobre o mercado das mídias sociais  ou simples entretenimento. Mesmo assim, é o mais próximo que a diversão pode chegar de uma história que se passa na maior parte do tempo dentro do monitor de um computador.

Aqui no Brasil as telenovelas são verdadeiras paixões nacionais. São três os tradicionais horários em que elas são apresentadas, cada qual com um tipo de perfil de telespectadores diferente. Normalmente as novelas do horário das 18 horas são voltadas para o público da terceira idade, por conta disso é privilegiado assuntos que correspondem ao interesse desse tipo de audiência, como temas históricos e religiosos. Já o horário das 19 horas é voltado para  quem acaba de chegar em casa após mais uma jornada de trabalho e quer assistir à uma boa comédia.

O último horário (20 horas) é apresentado temas que correspondem ao interesse da maior parcela da sociedade, como romances entre personagens de diferentes classes sociais e brigas familiares. Para se ter uma ideia do enorme sucesso do programa, a atual novela do horário, “Passione”, atingiu, no dia primeiro de novembro, a incrível marca de 40 pontos de audiência, 36 à frente da segunda colocada.

Por conta desse tamanho sucesso, era de se esperar que o tema seria levado aos cinemas. “A Novela das Oito”, novo filme de Odilon Rocha, que iniciou suas filmagens no último dia 6,  pretende realizar  um retrato colorido da estrutura social e política brasileira usando o drama televisivo “Dancin`Days” como ponto de partida. A telenovela, original de 1978,  ditou moda, comportamento e era assunto obrigatório em qualquer reunião.

O roteiro conta a história de um grupo de pessoas que vive entrelaçado no auge da Ditadura Militar. Dora (Claudia Ohana) é uma idealista forçada ao silêncio. Mãe de Caio (Paulo Lontra), ela é a única mulher que Vicente (Otto Jr.) amou. Brandão (Alexandre Nero), é um oficial da polícia federal a favor da ditadura, que por convicções próprias vai perseguir as protagonistas da trama, enquanto que João Paulo (Mateus Solano) vive um executivo que se sente um estrangeiro no seu próprio país.

As filmagens acontecem durante novembro e dezembro em vários locais do Rio de Janeiro, como Pão de Açúcar, Arpoador, Vista Chinesa e em tradicionais bairros cariocas como a Urca e Copacabana.

Matéria publicada no site c7nema.net (Portugal)

Tudo começa quando ele se envolve com a prostituta Joyce Lakeland (Alba), amante de um poderoso empresário da pequena cidade onde vive.  O casal possui em comum o gosto pelos prazeres do sexo violento. Paralelamente, o policial descobre o envolvimento do amante de Joyce na morte do  seu irmão adotivo. Com o intuito de se vingar, Lou usa a moça como isca e executa o filho do empresário . Após o crime, o xerife passa a cometer outras mortes como forma de  esconder o primeiro homicídio, porém, gradativamente, descobre que suas motivações em matar  estão muito além do receio de ir para a prisão.

Quem teve a oportunidade de assistir ao clássico “ A Sangue Frio”, adaptação do Best seller de Trumam Capote, irá encontrar muitas semelhanças entre as duas películas. Principalmente pelo fato de contarem com protagonistas repulsivos, contudo, apresentados como sofredores de uma doença incurável, que os motiva a matar sem sentir remorso.

A opção de justificar os crimes cometidos por Lou para uma discussão patológica tenta extrair sentimentos de piedade do público para com o protagonista – isso fica claro quando é apresentado a relação entre Lou e sua mãe -, o que acaba confrontando o espectador com seus próprios conceitos morais, assim como Michel Haneke realizou em “O Vídeo de Benny” e “Violência Gratuita”.

O poder da narrativa escolhida pelo diretor investe em causar aproximação entre o assassino e o público. Tanto que a história é contata a partir do ponto de vista do personagem, deixando-nos posição privilegiada da rede de relacionamentos de Lou. Dando a quem assiste o “privilégio” de conhecer a fundo o assassino que mora dentro do policial.

Essa opção de colocar o espectador em posição contrária as leis dos bons costumes não é nenhuma novidade. Basta lembra que Stanley Kubrick fez o mesmo em “A Laranja Mecânica” e hoje é cultuado pelos quatro cantos do mundo. A resposta para tamanha admiração talvez esteja presente no assassino que existe dentro de todos nós e que encontra no cinema uma forma de se revelar.

Goste ou não, o certo é que fica absolutamente impossível ficar indiferente ao humor sádico de “O Assassino Dentro de Mim”. Sem dúvida o tempo irá amenizar a repulsa que grande parte do público sentiu quando a produção foi apresentada em festivais em todo o mundo. Quando esse dia chegar, os mesmos que hoje acusam o longa de fazer apologia à violência estarão rindo com todos os dentes ao assistir os crimes bárbaros de Lou Ford, se deleitando enquanto o sangue jorra para fora da tela, assim como aconteceu quando o clássico de Kubrick foi lançado.

Crítica publicada durante o festival de cinema de São Paulo

Muito antes dos high techs “Pequenos Espiões” e “As Aventuras de Sharkboy e Lavagirl “, Rodriguez já fazia homenagens ao estilo nos excelentes “El Mariachi” e “A Balada do Pistoleiro”. Contudo, foi com oprojeto Grindhouse (fruto da parceria com Quentin Tarantino) que o diretor passou a ter uma preocupação de traduzir a experiência de assistir uma sessão de cinema do gênero, usando os defeitos técnicos como parte da narrativa.

O roteiro não poderia ser mais básico. Machete (Trejo) recebe a tentadora proposta de assassinar o senador racista John McLaughlin (Robert De Niro), em um evento durante sua campanha de reeleição. No meio da ação, Machete é gravemente ferido. Após sua rápida recuperação parte em busca de vingança, para isso contará com a ajuda da policial Sartana Rivera (Jessica Alba), da revolucionária Luz (Michelle Rodriguez) e do padre Cortez (Cheech Marin).

Frequentador assíduo dessas produções comumente apresentadas em canais e horários pouco atraentes , Danny Trejo, sempre teve sua imagem ligada ao time dos vilões. Ao assumir o papel do mocinho revelou-se um ator tão competente quanto os astros Arnold Schwarzenegger ou o próprioSeagal que, dessa vez, interpreta um sanguinário traficante de drogas. Não é à toa que bordões como Machete don’t text (Machete não envia SMS) e Machete improvises (Machete improvisa) já circulam com destaque na internet.

É provável que a atuação de Trejo tenha surpreendido até mesmo os diretores do longa, que exageraram na quantidade de tramas paralelas, provavelmente pensando que o veterano ator não conseguiria segurar a atenção do público nos 100 minutos de projeção. Além disso, em alguns momentos, há uma preocupação excessiva de fazer críticas à política de imigração americana. Se por um lado estar em sintonia com questões sociais pode ser visto como fator positivo, por outro lado faz com que ocorra uma quebra se comparado ao início extremamente movimentado, confundindo o espectador que, na maioria dos casos, pagou para se divertir sem fazer muitas exigências ao cérebro.

Agora a esperança dos fãs é que nas sequências: “Machete Kills” e “Machete Kills Again” (ao pé da letra ‘Machete Mata’ e ‘Machete Mata de Novo’), a dupla de diretores deixe que o agente federal mexicano mostre todo seu talento sem se preocupar com os problemas reais da sociedade americana.

Crítica realizada durante o 34ª Mostra Internacional de cinema de São Paulo.

Em pouco mais de uma semana em cartaz, ‘Tropa de Elite 2’ continua fazendo história, não somente pela discussão em torno do problema da segurança pública no estado do Rio de Janeiro, mas também pela forma como o se preparou para vencer a grande força da pirataria em reação ao vazamento do primeiro longa, assistido por cerca de  11 milhões de pessoas antes mesmo do seu lançamento nos cinemas.

Dessa vez cada cópia foi identificada com um número de série onde é possível identificar o cinema no qual foi feita a gravação clandestina. Essa atitude fez com que a responsabilidade pela segurança das cópias passasse a ser das salas exibidoras, que, por sua vez, passaram a  inibir ostensivamente o uso de câmeras e celulares durante a exibição.

Até mesmo a imprensa não foi poupada das ações antipirataria. Durante exibição para a imprensa em um cinema na cidade de Paulínia no interior de São Paulo. Jornalistas e convidados passaram por detectores de metal e tiveram suas bolsas revistadas.

Mesmo com o combate ostensivo já é possível ver cópias pirateadas nas mãos de comerciantes clandestinos no tradicional comércio popular da Uruguaiana, no centro da cidade. As cópias continham apenas material de divulgação como trailers e spots de TV, mesmo assim, estima-se que a comercialização do material tenha rendido uma grandes cifras para esses comerciantes.

Nos cinemas, ‘Tropa de Elite 2’ já  ultrapassou a incrível marca de 3 milhões de espectadores. Se continuar nesse ritmo irá ultrapassar os 6,4 milhões de ‘Se Eu Fosse Você 2’.

Diretamente do Rio de Janeiro para o site www.c7nema.net

Trata-se de um documentário sobre sete mulheres que contraíram o vírus HIV de seus parceiros fixos. Valendo-nos somente dessa definição, poderíamos imaginar que se trata de um relato frio e distanciado sobre a doença, como uma aula de biologia sobre pessoas infectadas pelo vírus. No entanto, somos apresentados a essas mulheres sem interlocutores, o que faz com que seja conquistada imediatamente a empatia do público, pois todos conseguem imaginar as barreiras que elas tiveram de ultrapassar para se apresentar em público e falar abertamente sobre um assunto tão delicado.

A decisão de dar nome e sobrenome às portadoras do vírus tem como consequência um maior impacto dos relatos, pois estamos frente a frente com as verdadeiras personagens. Um interlocutor ( como um ator ou narrador) poderia demonstrar empatia, entender e até mesmo mostrar compaixão, porém nunca sentiria as dores que essas mulheres sentiram. Isso não está presente somente nas palavras, mas em todos os gestos, expressões e até mesmo na respiração de quem convive diariamente com o preconceito, que, com certeza, é o que ocasiona as dores mais fortes. Mesmo assim, os depoimentos passam longe de um clima depressivo. Como a ambiguidade do título já anuncia, todas demonstram um olhar otimista sobre o mundo.

O estilo puramente baseado em entrevistas sobre o tema parece não querer desviar a atenção do público sobre o problema, mostrando que é possível levar uma vida feliz após contrair a doença, porém sem nunca deixar de alertar sobre os cuidados da prevenção. Por se tratar de uma obra fechada, não há possibilidade de interpretações equivocadas sobre o mal que atinge um grande número de mulheres casadas, as quais correspondem a 64 % das  infectadas por HIV no Brasil.

Positivas é uma boa oportunidade de assistir a relatos sobre um assunto que até há pouco tempo era tabu em nossa sociedade, suscitando a discussão de forma responsável sem nunca deixar de ser descontraído.